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George Gershwin (乔治·格什文)
歌手名:George Gershwin 歌手其他名称:乔治·格什文 国籍:美国 生日:1898年9月26日 出生地:纽约市布鲁克林 职业:作曲家 代表作品:《波吉与贝丝》《歌曲集》《一个美国人在巴黎》 简介: 简介:乔治·格什温 男(George Gershwin,1898–1937年),美国作曲家。以节奏感强的流行歌曲和古典音乐作品著称。他的很多作品都广为传唱,《爱人》(The Man I Love)、《妙不可言》(&apos;S Wonderful)、《有你相拥》(Embraceable You)、《我把住了节奏》(I Got Rhythm)是其中几首。他把爵士乐与古典音乐的元素相结合,创作了《蓝色狂想曲》(1924年)和歌剧《波吉与贝丝》(1935年)。 <br/> 格什温生于纽约布鲁克林。曾在美国流行音乐大本营廷潘胡同(Tin Pan Alley)为一家出版商推销歌曲,从此开始自己的音乐生涯。1919年凭借一首《斯万尼》(Swanee)蜚声全国。他为多部音乐剧谱过曲,其中包括:《小姐,对我好点吧》(Lady Be Good)(1924年)、《奏起乐队》(Strike Up the Band )(首创于1927年,1930年作了修改)、《甜姐儿》(Funny Face)(1927年)和《疯姑娘》(Girl Crazy )(1930 <br/>乔治·格什温<br/>年)。 <br/> 其它在音乐会演奏的作品有《F大调钢琴协奏曲》(1925年)和音诗《一个美国人在巴黎》(1928年)。此外还有歌曲《有人爱我》(Somebody Loves Me)、《迷人的节奏》、《他们不能从我这里拿走那个》(They Can&apos;t Take that Away from Me)、《我唯一的》(My One and Only)、《雾日》(A Foggy Day)。 <br/> 个人经历:概述<br/> 乔治·格什温(英语:George Gershwin,1898年9月26日-1937年7月11日)是一位美国作曲家。出生于纽约布鲁克林的一个俄国犹太移民家庭,原名<br/>雅各布·格肖维茨(Jacob Gershowitz)。 <br/> 格什温的贡献是把古典音乐的风格与爵士乐和布鲁斯的风格结合了起来。格什温1937年夏因患脑癌去世,去世时三十九岁。 <br/>一举成名<br/> 14岁时曾师从汉比策(C.Hambitzer)弹奏钢琴,表现出极高的天份。1914年高中辍学,进入纽约出版商雷米克(Remick)的公司,担任钢琴手。两年后辞职,开始创作。1916-1920年间主要从事歌曲创作,这些早期的歌曲以通俗易唱和富于旋律性而流传甚广,其中《斯瓦尼》(Swanee)使他一举成名。此后又创作了不少舞台音乐剧。 <br/>鼎盛时期<br/> 1924年3月发表交响曲《蓝色狂想曲》,获得巨大成功,使他成为世界级作曲家,克莱斯勒、艾尔曼、拉赫玛尼诺夫、斯特拉文斯基等当代音乐家参加了首演。1925年,纽约爱乐乐团开始委托他作曲,由于未接受过正统的音乐教育,此时他花费了很大的精力学习作曲理论,并得到了杜克(VernonDuke)、列万特(OscarLevant)和勋伯格等作曲家的帮助。1928年赴巴黎休养又推出交响诗《一个美国人在巴黎》,奠定了他在美国乐坛的作曲家地位。他的音乐剧《开始奏乐》(1927)、《疯狂女郎》(1930)、《我为你歌唱》(1931)曾轰动一时。《我为你歌唱》对美国总统选举予以辛辣讽刺,音乐轻快活泼,特具美国爵士流行风味,荣获普利策奖。30年代起开始涉足电影音乐,为好莱坞电影作曲。1935年完成影响巨大的黑人歌剧《波吉和贝丝》(PorgyandBess)。 <br/>人生最后两年<br/> 1936年格什温兄弟转到好莱坞去发展,进入了一个新的创作时期。他们为《我们跳舞吗》(Shall We Dance ,1937)、《困苦中的年轻女人》(A Damsel Dn Iistress,1937)谱为另一部影片《古德温闹剧》(The Goldwyn Follies,1938)写曲时,乔治病倒了,不久于1937年6月去世。尽管当时他病得很厉害,他为该部电影写的歌曲《爱情走来》与《爱情就在这儿》都是他最优秀的作品。虽然乔治·格什温的生命和很短促,但他的作用不仅非常大而且是不朽的,为美国音乐做出了巨大贡献。他的流行歌曲适应了音乐的最新发展,特别是爵士乐,他的作品在爵士乐演奏家中间非常受欢迎。 <br/> 个人作品:歌 剧<br/> 《波吉与贝丝》 <br/>管弦乐<br/> 《蓝色狂想曲》、《一个美国人在巴黎》、《第二狂想曲》、《古巴序曲》。 <br/>协奏曲<br/> 《F大调钢琴协奏曲》 <br/>音乐喜剧<br/> 《拉拉露西尔》、《我歌唱您》。 <br/>歌 曲<br/> 《斯旺尼》、《我爱的男人》、《可以拥抱你》、《你今晚的风采》、《我有了节奏,迷人的节奏》、《多美妙》、《夫人,请好自为之》、《爱情走了进来》、《夏天》(选自《波吉与贝丝》)。 <br/> 个人轶事:寻找“水晶鞋”<br/> 灰姑娘的故事可以说是老幼皆知:那充满魔力的水晶鞋把一个穷苦的姑娘变成了王妃。20世纪作曲家格什温在音乐中的成就可说是得益于他找到了走向成功的“水晶鞋”。6岁前的格什温是一个爱踢足球、滑旱冰的调皮鬼。1904年某一天,格什温猛然听到了从穷苦黑人聚居区传来“拉格泰姆”。自此,音乐就像仙女的魔杖吸引着他。他一方面开始了正规的音乐训练,一方面他仍忘不了那绝妙的“拉格泰姆”,频繁出入于这些社区,并深入流行音乐的“生产车间”。…… <br/>乔治·格什温作品<br/>时代造化人,此时的美国也在寻求自己的本土文化。一天,纽约一家报纸刊登了有关“什么是美国音乐”的讨论,一些作品被当作讨论的内容诉诸于报端。犹如圣灵降生,灵光清悦地划过格什温的大脑。美国音乐“拉格泰姆”——“流行音乐生产车间”。对,将爵士乐用于音乐的创作。——“水晶鞋”找到了。 <br/>美国文化的狂想<br/> 那是个汽笛轰鸣的环境,《蓝色狂想曲》的构想就在这摇曳不定的氛围中酝酿着:黑人音调的主题不断闪现,爵士乐节奏架起整首作品的脊梁……这就是五光十色的美国,沸腾的熔炉、多民族的大家庭。火车从波士顿出发,开到纽约时,乐曲已初具端倪。一星期后,美国音乐的成功代表作《蓝色狂想曲》问世了。格什温因找到了“水晶鞋”也让灰姑娘变成了王妃。 <br/>知歌曲名而不知人名<br/> 格什温的旋律才华是不同凡响的。他的歌曲中蕴藏着20世纪20年代纽约的精髓,理所当然地成为同类作品中的经典之作,成为20世纪民歌传统的一部分,因为它们是通过口授言传而广为传播的流行音乐,许多人唱格什温的歌曲,但根本不知道作曲者为何许人。他的大型作品在旋律上固然是出类拔萃,但却因他缺乏系统的音乐教育和对位与理论等方面的基础训练而显得美中不足。《蓝色狂想曲》是由费德·格罗菲配器的,虽然后来的作品还是由格什温亲自编写总谱。他曾经拜鲁宾·戈尔德马克、亨利·考埃尔和约瑟夫·希林格为师,毫无疑问,如果能多活几年,他是能在交响乐领域结出硕果的。由于能够把原始质朴和精深复杂的风格熔于一炉,他的音乐具有独特的个性和至今未衰的吸引力。 <br/>乔治·格什温<br/>美国的新星<br/> 众所周知,《蓝色狂想曲》以单簧管独奏开始,悠缓的颤音,然后是两组音程的渐强滑奏,发出汽笛似的奇异的声响。听众被吸引,作曲家出色的钢琴独奏和乐队巧妙的配合,把听众带进兴奋的世界。指挥家怀特曼说:“当在耶奥利安大厅里开始演奏时,我知道我们获得了成功,听众就像触了电……我激动得哭泣了。当我清醒时,总谱已经演奏到了第11页,我只顾指挥,却记不得那11页是怎么指挥过来的。”美国人的,美国人创作的,为美国人服务的新作品诞生了!格什温的大名,一夜之间就传遍了全美国。 <br/> 个人经典:格什温《波吉与贝丝》<br/> 怀特、海姆恩、布莱克维尔等演唱 <br/> 拉特尔指挥伦敦爱乐乐团 <br/> 作品简介:《波基与贝丝》的脚本由D·海沃德根据本人的小说改编。表现了美国卡罗来纳州一个黑人区落后贫穷的生活情景。黑人搬运工格隆在赌博时打死了罗宾,在警察追捕中潜逃,他的情妇贝丝走投无路,随跛子乞丐波基生活,两人感情甚笃。一日,他们在林间野餐,被格隆发现,抢走贝丝。数日后贝丝回到波基怀中,在一次飓风袭击时,格隆又一次来寻找贝丝,被波基杀死。波基入狱,一个毒品贩子将贝丝拐骗到纽约使她沦为妓女。获释的波基推着小车,朝着纽约走去,寻找贝丝。 <br/> 格什温以黑人为主题的《波吉与贝丝》是美国歌剧的代表作,拉特尔在一连串现场演出后与原班人马走到录音室灌录的版本更可说将《波吉与贝丝》升格为一出大歌剧。格什温在这部歌剧中采用传统歌剧的宏大结构,以娴熟的专业作曲技巧与黑人爵士音乐语汇相融合,在美国民族歌剧创作上作了成功的探索。歌剧全部由黑人主演,运用美声演唱,旋律优美动人,节奏灵活多变,色彩绚丽明快,人物性格的刻画在戏剧展开中层层深入,富于严谨的结构层次。这部歌剧的精湛技巧和独创性的音乐语言(包括灵歌风格语言),使其成为美国民族歌剧的典范。《波基与贝丝》为格什温上演最多的剧目之一。拉特尔最成功之处,是将浓厚的剧院感完全带进录音中,此外,他对于乐谱中诱人的旋律及带爵士感的节奏有一种完全的投入感。他的阵容也是一流,怀特是位诚恳亲切且有无比暖意的波吉,海姆恩是动人的贝丝,布莱克维尔在拉特尔缓慢得近乎危险的伴奏下,仍唱出了一曲甚为诱人的《夏日时光》。录音无比逼真与成功的演绎可说牡丹绿叶,相得益彰。 <br/>格什温《歌曲集》<br/> 尼克森女高音 <br/>乔治·格什温相关书籍<br/>梅奥加钢琴 <br/> 作品简介:格什温学钢琴出身,他的音乐创作是从歌曲开始的。他的第一首杰作就是歌曲《斯旺尼》。格什温一生创作了数百首歌曲,其中蕴藏着20世纪20年代纽约的歌曲精髓,成为20世纪美国民歌传说的一部分。尼克森演唱的这版CD,音色非常优美,钢琴伴奏的录音也很透明。唱片里的歌曲都是格什温的名作,如:《斯旺尼》、《我爱的男人》、《爱情走了进来》等,被美国TAS评为发烧名片。 <br/>格什温《一个美国人在巴黎》<br/> 格什温钢琴 <br/> 托马斯指挥纽约爱乐乐团 <br/> 哥伦比亚爵士乐队 <br/> 作品简介:《一个美国人在巴黎》受达姆罗什领导的纽约交响协会的委托而作,作于1928年,当时格什温29岁。格什温本人在完成配器后,曾对这部作品作过如此说明:“这首新曲实际上是一部狂想性的芭蕾舞剧,它写得非常自由,是迄今为止我所尝试过的最新式的音乐。”为创作这部作品,格什温专门去了一次巴黎,并弄了4只出租汽车喇叭,以表达巴黎的氛围。作品中最有味道的是乐队必须配备的4只法国出租汽车喇叭和忧郁的布鲁斯。这应该说是一张既珍贵又奇特的唱片。 <br/>格什温《蓝色狂想曲》<br/> 格什温最初就是一个很出色的钢琴家。1935年他亲自演奏了《蓝色狂想曲》的钢琴版,留下一个相当不错、足够清晰的录音。因而到了70年代,托马斯另辟蹊径,指挥乐队为这个钢琴版录音配上了管弦乐,配得丝毫不差,很能以“假”乱真。听起来,它比我们通常听到的历时15分钟以上的《蓝色狂想曲》演奏得快些,只有13分钟。你或许不太习惯这速度,而我也不敢肯定它更符合格什温本意,毕竟当他独奏钢琴时是并不需要给乐队发挥留出时间余地的。不过,我倒敢说,比起速度正常,而且也是极为精彩的伯恩斯坦的名演奏(CBSMK42264),托马斯的这张爵士味更足,乐队的配合显得更洒脱些,被《企鹅唱片指南》评为三星带花名片。 <br/> 相关作品:介绍一<br/> 是美国第一位民族作曲家。在他短暂的一生中,只留下为数不多的管弦乐作品,但他却创立了美国所独具的音乐风格,成为美国民族音乐的奠基人。他父母为俄国犹太移民,约1893年时移居美国。格什温1899年9月26日生于纽约布鲁克林。在通俗的流行音乐领域中,曾经有几位作曲家的严肃性作品已被证明了具有永久的重大价值。最为著名的有科尔·波特、杰罗姆·克恩、欧文·伯林以及理查德·罗杰斯,而其领军人物就是格什温,他们的作品标志着美国流行歌曲的高峰位置。 <br/>乔治·格什温<br/>介绍二<br/> 格什温的音乐背景较为低下,他未经过正统的音乐教育,但却有较高的天赋,1913年从查尔斯·汉比策尔学钢琴,后又师从爱德华-基伦尼(Kilenyi)和鲁宾·戈德马克(RubinGoidmark)学习和声和理论。16岁时,他在受雇于勒米克音乐公司,成了专门“写电影插曲的人”,并写了大量的流行歌曲。逐渐成为百老汇和好莱坞唯一的超越了传统音乐风格中的幻想性质而创造出天才作品的作曲家。他善于把精深复杂和原始质朴的风格熔于一炉,使音乐中独特的个性至今未减其半点魅力。 <br/> 评价:评价一<br/> 1925年,他在“交响爵士乐”方面尝试而写的《蓝色狂想曲》(RhapsodyinBlue)是一首创纪元的作品,也是他第一首“严肃”作品,由此开始他闯进了古典音乐的殿堂。1925年2月12日,由格什温自己演奏钢琴,当时有“爵士乐之王”的著名爵士乐指挥家保罗·怀特曼(P·Whiteman)指挥自己的管弦乐队,在纽约的伊奥利亚(风神)音乐厅(AeolianHall)首演而大获成功,证明了爵士乐的曲风也能有效地应用到大型的乐曲中,这个作品已经成为音乐会演奏曲目中的常客。 <br/>评价二<br/> 格什文的大型作品在旋律上显露的才华是不同凡响的,但因他缺乏系统的音乐基础训练而显得美中不足,格罗菲为《蓝色狂想曲》完成了配器,总谱是格什文编写的。以后他又拜亨利·考埃尔和约瑟夫·希林格为师,以弥补其不足。《F大调钢琴协奏曲》是他最大规模的器乐作品,受达姆罗斯领导的纽约交响协会委托在1925年创作的,他并再度在首演时担任钢琴独奏,由纽约爱乐乐团协奏首演。英国指挥科茨(AlbertCoates)把该曲列入他“最好的五十首音乐作品”的目录中。1928年,他在巴黎旅行时写下了纪行作品《一个美国人在巴黎》,配器是回美国后完成的,此曲是一首叙述生动,音调华丽的杰出炫技之作,在管弦乐领域中获得一席永久的地位。1932年2月5日,他的《第二号狂想曲》由库谢维茨基指挥波士顿交响乐团首演于纽约。变奏曲《我们找到了节奏》(VariationsonanOrignalTheme)完成于1934年6月,首演于波士顿交响音乐大厅,他自己担任钢琴独奏,查尔斯·普莱文担任指挥。1935年,格什文又写成了描写黑人生活的歌剧《波吉与贝丝》,这是他最后的一部大型作品,至今仍是美国作曲家的歌剧中唯一能在保留节目中立于不败之地的作品。这段时间是他短短一生中的创作顶峰。1937年7月12日在好莱坞逝世。 <br/>寄语<br/> 格什温的大型作品在旋律上显露的才华是不同凡响的,但因他缺乏系统的音乐基础训练而显得美中不足,格罗菲为《蓝色狂想曲》完成了配器,总谱是格什温编写的。以后他又拜亨利·考埃尔和约瑟夫·希林格为师,以弥补其不足。《F大调钢琴协奏曲》是他最大规模的器乐作品,受达姆罗斯领导的纽约交响协会委托在1925年创作的,他并再度在首演时担任钢琴独奏,由纽约爱乐乐团协奏首演。 <br/>主要因素<br/> 英国指挥科茨 (AlbertCoates)把该曲列入他“最好的五十首音乐作品”的目录中。1928年,他在巴黎旅行时写下了纪行作品《一个美国人在巴黎》,配器是回美国后完成的,此曲是一首叙述生动,音调华丽的杰出炫技之作,在管弦乐领域中获得一席永久的地位。1932年2月5日,他的《第二号狂想曲》由库谢维茨基指挥波士顿交响乐团首演于纽约。变奏曲《我们找到了节奏》(VariationsonanOrignalTheme)完成于1934年6月,首演于波士顿交响音乐大厅,他自己担任钢琴独奏,查尔斯·普莱文担任指挥。1935年,格什温又写成了描写黑人生活的歌剧《波吉与贝丝》,这是他最后的一部大型作品,至今仍是美国作曲家的歌剧中唯一能在保留节目中立于不败之地的作品。这段时间是他短短一生中的创作顶峰。1937年7月12日在好莱坞逝世。 <br/> 人们对格什温不会陌生的原因之一,除了音乐本身喜闻乐见之外,音乐会的经常演出和唱片选择途径的不计其数也是一个重要因素。 <br/> 社会评价:格什温在美国音乐史上占有先驱者便是格什温。他将美国大陆流行的通俗爵士乐运用在传统音乐中,综合了欧洲音乐艺术、爵士乐、黑人歌曲等各种形式,创造出交响爵士乐,成为美国的音乐一种特色。这方面的代表作《蓝色狂想曲》<br/>
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Gary Allan (盖瑞·艾伦)
外文名:Gary Allan 别名:Gary Allan Herzberg 国籍:美国 出生地:加州 生日:1967年 12月 5日 职业:创作歌手 代表作:《Used Heart for Sale》 简介: Gary Allan在乡村界成功征服各年龄层的少女、少妇、师奶杀手,兼具感性嗓音与性感外型,被People以及Country Weekly封上"乡村音乐界最性感的明星"头衔,更受到电视公司注意,邀请演出多出迷你影集。历经十年歌唱生涯,缔造四张乡村榜Top10专辑以及三首冠军单曲,创作出的音乐作品更是获得各方称许,成为新生代乡村男歌手中成功拓展全方位表演长才之佼佼者。 从艺历程: 出生南加州,Gary Allan从小在音乐家庭耳濡目染下,发掘出对音乐的细腻敏锐度及内在无限潜力。12岁时随同父亲的乐团登台演出,并在父亲支持与协助下,拥有属于自己的乐团。在努力不懈的上进心驱使下,1996年获签Decca旗下发行首张专辑'Used Heart For Sale',快速引起各界瞩目;随着1998年爬上热门潜力榜亚军的'It Would Be You'问世后相隔一年,唱片公司遭逢关门大吉,深具才华的Gary并未因此消失,其合约转换至更大的MCA家族中。1999年推出深受好评的'Smoke Rings In The Dark',自此奠定Gary在乐坛基础;2001年大破百万销售量之'Alright Guy',替Gary赢得首支排行冠单曲"Man To Man"。酝酿三年后呈现之'See If I Care',让Gary再创事业更高峰,专辑空降乡村榜亚军+流行专辑榜Top17,连续再造两首乡村榜冠军单曲,同样也是张白金畅销大碟,接着'Though All Over'专辑更是首度摘取冠军王位。
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Gyorgy Kurtag (库塔格·捷尔吉)
外文名:Gyorgy Kurtag 中文名:库塔格 捷尔吉 别名:捷尔吉、库尔塔格 国籍:匈牙利 出生地:罗马尼亚卢戈伊 生日:1926年2月19日 职业:作曲家 所属时期:20世纪 所属乐派:先锋派 擅长类型:管弦乐,室内乐,声乐作品 知名作品:吉他和器乐《斯蒂芬墓碑》,钢琴《游戏》多册,钢琴和器乐《近似于幻想曲 师从:米约,梅西安 简介:库塔格·捷尔吉(匈牙利语:Kurtág Gy?rgy,1926年2月19日-),出生于罗马尼亚巴纳特地区的匈牙利作曲家,先锋派音乐的著名代表之一。他曾受教于米约和梅西安,后又曾受到韦伯恩以及序列主义的影响。库塔格与匈牙利作曲家利盖蒂·捷尔吉是好友。 生平:库尔塔格·捷尔吉,匈牙利作曲家,出生于罗马尼亚巴纳特地区,先锋派音乐的著名代表之一。他曾受教于米约和梅西安,后又 曾受到韦伯恩以及序列主义的影响。所作作品近年来在国际上影响较大 。库尔塔格与同时代的匈牙利作曲家利盖蒂是好友。库尔塔格早年在匈牙利就读于著名的李斯特音乐学院,学习作曲、钢琴演奏和室内乐。从上世纪90年代初开始,库尔特格开始频繁地到德国、奥地利、荷兰和法国等国家从事音乐工作。1996年以来,库尔特格一直在巴黎工作和生活。
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Gustav Mahler (马勒)
原文名:Gustav Mahler 中文名:古斯塔夫·马勒 国籍:奥地利 出生:1860年7月7日 逝世:1911年5月18日 知名作品:十一部交响曲(包括《泰坦》、《复活》、《千人》、《大地之歌》等) 所属时期:浪漫主义 擅长类型:交响曲、艺术歌曲 毕业院校:维也纳音乐学院 职业:作曲家,指挥家 信仰:天主教 简介:古斯塔夫·马勒(德语:Gustav Mahler,1860年7月7日-1911年5月18日),奥地利作曲家、指挥家。作为作曲家,他是19世纪德奥传统和20世纪早期的现代主义音乐之间承前启后的桥梁。马勒之后,十二音和无调性音乐等先锋理念崛起,传统调性音乐的辉煌时代走向终结。他的指挥成就在生前就已得到广泛认可,但他所创作的音乐一度被忽视,在纳粹德国时期甚至因其犹太身份而被禁止,直至第二次世界大战后才因指挥家伯恩斯坦等人的推广而得到复兴,其音乐价值方为人所周知。到如今,马勒的音乐是演出和录音最频繁的作品。
马勒是犹太人,出生于波希米亚喀里斯特(今捷克境内),出身并不显贵,但在很早就显露出了音乐才华。1878年,从维也纳音乐学院毕业后,他在欧洲众歌剧院中担当过指挥;并于1897年担任维也纳宫廷歌剧院(现在称维也纳国家歌剧院)总监。在维也纳的十年里,马勒从信仰犹太教转变为信仰天主教,但由于其犹太血统,还是颇受反犹舆论的攻击和排挤。然而他的演出不仅水平优异,而且具有创新性,使他至今在历史上最伟大的歌剧指挥家中占有一席之地;尤其是他对瓦格纳和莫扎特舞台作品的演绎最为突出。晚年他也短暂地担任过纽约大都会歌剧院和纽约爱乐乐团的总监。
马勒的创作范围较窄,作品数量不多。终其一生,作曲总是指挥之外的副业。其作品绝大多数都是交响曲和歌曲。他的十部交响曲篇幅很长,最短者也接近一个小时;规模庞大,增加了乐队编制,并在第二、三、四、八几部中加入了人声;其宏篇巨制《第八交响曲》除超大编制管弦乐团外,更动用了八位独唱家和两个混声四部合唱团,首演时乐手数达一千人以上,因而得到“千人交响曲”之别称。马勒作品的首演通常伴随着争议,很久之后才得到批评家的认可;只有《第八交响曲》在首演时就大获成功。马勒的音乐直接影响了许多第二维也纳乐派作曲家,尤其是勋伯格、贝尔格和韦伯恩。此外,肖斯塔科维奇和布里顿也为马勒所影响。1955年,国际古斯塔夫·马勒学院成立,以纪念其生平与作品。 家庭背景:马勒的家庭来自当时是奥地利帝国一部分的波希米亚东部。他的祖母当过街头的卖艺人。马勒一家属于一个不太受欢迎的的德语小社群,而且又是社群中不太受欢迎的犹太人;童年的处境影响了马勒未来的无归属感。古斯塔夫的父亲,伯恩哈德·马勒(Bernhard Mahler)通过经营酿酒厂让家境有所起色。他在喀里斯特买了一座小房子,并在1857年与当地肥皂加工商的19岁女儿玛丽·弗兰克(Marie Frank)结婚。次年,降生一子,早夭。两年后,也就是1860年7月7日,次子古斯塔夫出生。 童年:1860年12月,伯恩哈德·马勒携妻儿搬到伊赫拉瓦。在那里相继有12个孩子降生,但一半都早逝。此时的伊赫拉瓦是个有两万余人口的商镇,在此古斯塔夫有机会接触到民间的音乐,比如街头歌谣、舞蹈曲调、军乐的小号声等。这些元素在他之后的创作中都有所体现。
古斯塔夫4岁时,发现了祖父母的钢琴,并立刻就开始了学习。他的演奏技术长进很快,在当地是小有名气的“神童”。10岁时,就在城里的剧院举行了公演。古斯塔夫热爱音乐,学校评语称他经常走神,导致学业不佳。为了提高其成绩,他于1871年被送到布拉格的一所新学校中,但并不快乐,不久后又回到伊赫拉瓦。
1874年,他的弟弟久病不治而亡。他试图在音乐中表达悲伤的情感,并在朋友约瑟夫·斯坦纳(Josef Steiner)的帮助下开始创作一部歌剧《士瓦本的厄尼斯特公爵》(德语:Herzog Ernst von Schwaben),以纪念死去的弟弟。该作品如今词曲均佚。 学生时代:伯恩哈德·马勒支持其儿子走上音乐道路,同意他报考维也纳音乐学院。年轻的古斯塔夫被著名钢琴家朱利亚斯·艾普斯坦看中,于1875—76年被录取。在艾普斯坦的指导下,他在钢琴方面有了长足的进步,并在开头两年里拿了奖。最后一年他改为专攻作曲,但习作很少有存留下来的,大多都被马勒本人因为不满意而丢弃。他甚至曾将一份交响音乐期末作品的稿子毁掉,因为这作品被当时权威的总监轻薄地拒绝。马勒最早的指挥经历可能是领导学生乐团,尽管据说他在学校乐团里的主要工作不过是当打击乐手。歌曲作家胡戈·沃尔夫曾是马勒的同学,二者关系甚好,但伍尔夫由于违纪而被开除。马勒有时也做逾矩之事,但因为写了改过书才免遭同样命运。
马勒听过布鲁克纳的演讲;尽管并非其弟子,但也受其影响。1877年12月16日,布鲁克纳的《第三交响曲》首演遭到惨败,嘘声四起,观众离席;但到场的马勒和其他学生之后将该作品改编成钢琴版,献给布鲁克纳。与许多同代人一样,马勒迷恋瓦格纳,尽管他的关注点在于音乐而非布景。马勒在学生时代有没有现场看过瓦格纳的乐剧,不详。
马勒1878年毕业,虽得到文凭,却没能拿到为出色学生设立的银奖。之后他又进入维也纳大学。马勒对德国的民族精神和哲学很有兴趣,并读了叔本华、尼采、费希纳、陆宰的作品。这些思想家都给马勒及其音乐造成了深远影响。传记作家乔纳森·卡尔(Jonathan Carr)称:“马勒的心中不只有波希米亚乐队的曲调、军乐的小号进行曲、布鲁克纳式的大合奏(chorale)、舒伯特的奏鸣曲;里面也冲涌着哲学和形而上的问题。” 指挥生涯:1880年夏,马勒得到了第一份专职指挥的工作:在林茨以南的一个温泉小镇里指挥当地小剧场的演出,内容全部是所谓的轻歌剧(operetta)。马勒之所以接受这份工作,完全是因为艾普斯坦说升职空间大。1881年他来到了莱巴赫(今斯洛文尼亚首都卢布尔雅那),那里的剧院虽小但资源丰富,管理者也对拓展演出内容雄心勃勃。马勒在此处第一次指挥了整部歌剧:威尔第的《茶花女》,此后又献上了五十余部其它作品。六个月的合约过后,马勒回到维也纳,在卡尔剧院担任兼职合唱指挥。
1883年1月,马勒当上了奥洛穆克一家剧院的指挥。他后来回忆道:“我踏进剧院门槛的那一刻,感觉如同一个人正等待着上帝的震怒。”虽然他与乐队的关系不怎么好,在他任职期间,五部新歌剧被介绍了进来,包括比才的《卡门》,并赢得了事先对马勒怀有恶意的媒体的好评。1883年8月,马勒成为了卡塞尔皇家剧院的音乐总监,不过这一头衔掩盖了他实际的下属地位。虽然上司威廉·特莱伯(Wilhem Treiber)很不喜欢他,马勒还是在令人不快的环境中大显身手。他指导了一出自己很喜欢的歌剧,韦伯的《魔弹射手》,并在1884年6月23日指挥了自己为戏剧《萨金根的小号手》创作的情景音乐;这也是马勒所作的作品第一次面向世人。
1884年1月,当时名声斐然的指挥家彪罗来到了卡塞尔,马勒想争取到彪罗“永久助理”的职位未果。随后的几年里他与驰名的莱比锡新国家歌剧院(Neues Stadttheater)签订了六年的合同,从1886年开始。马勒不愿意在卡塞尔停留,于是在1885年7月辞职,并在布拉格的新德剧院获得助理指挥的职位。
布拉格民族主义抬头的倾向让新建的国家大剧院名声大振,新德剧院受其影响,生意不景气。马勒的任务是推出高质量的德国歌剧演出,以挽回衰落的势头。他制作的莫扎特和瓦格纳作品都获得了一定的成功,但他突出个人权威的指挥风格在同僚间产生了摩擦,尤其是与经验更丰富的指挥路德维希·斯兰斯基。
1886年马勒离开布拉格,来到莱比锡新国家歌剧院,在此与年长的同事亚瑟·尼吉施发生了争执,主要是关于二人在新推出的《尼伯龙根的指环》四联剧中如何分工。次年1月,尼吉施染病,使马勒有机会掌握全权。此次演出在大众中反响极佳,但乐团成员也埋怨马勒的指挥过于独裁,排练计划过于紧凑。
在莱比锡,马勒与作曲家卡尔·马利亚·冯·韦伯的孙子卡尔·韦伯结为好友,同意准备一场韦伯生前未完成歌剧《三个品脱》的演出。马勒对存留下来的草稿进行了润色和配器,结合了韦伯其它作品中的段落,还加了一些自己创作的内容。1888年1月,这部作品首演,出席者包括许多歌剧院的总监和俄罗斯著名作曲家柴可夫斯基。这部作品反响出色,也让马勒的地位有所提升。与韦伯一家的交往也使马勒与卡尔·韦伯之妻玛丽昂产生了一段热烈的感情,但最终不了了之。就在这段时间,马勒发现了德国民间诗集《少年魔号》(德语:Des Knaben Wunderhorn),这部诗集将在之后的十二年间深深影响马勒的创作。亦有说法称马勒之前就了解这部诗集,因为他之前创作的《青年流浪之歌》就基于一首“魔号”中的诗。
1888年5月,在与歌剧院舞台经理发生争执之后,马勒辞去了在莱比锡的职位。他回到了布拉格,努力让《三个品脱》重新上演,并同时排演彼得·科内利乌斯的喜歌剧《巴格达的理发师》(德语:Der Barbier von Bagdad》。这次短暂的停留结果是不欢而散:马勒因为排练期间的一次大发雷霆被扫地出门。然而,经过维也纳的一位好友吉多·阿德勒的引荐,马勒的名字传到了布达佩斯的皇家匈牙利歌剧院(即今天的匈牙利国家歌剧院)。马勒顺利通过了面试,在1888年10月重新找到了工作。
1888年马勒来到布达佩斯时,发现匈牙利的民族主义者与德奥文化传统的拥护者之间发生着冲突。在歌剧院,以音乐总监桑多·厄克尔(Sandor Erkel)为代表的民族主义者往曲目单里放了关于匈牙利历史的剧目,以及本土的民间歌剧。马勒履职时,文化开放派占了上风。马勒意识到双方的立场不和,自己也谨慎行事,直到1889年才公开露面,演出的是匈牙利语版的《莱茵的黄金》和《女武神》。但还未等他将“指环”联剧排完,保守派就提出应该增加匈牙利本土色彩的作品。为了丰富非德国的曲目,马勒去了趟意大利,发现了马斯卡尼的《乡村骑士》。
1889年2月,马勒父亲逝世;不久之后马勒的姐姐与母亲先后离世。马勒自己也深受痔疮、偏头痛与咽喉感染的困扰。1889年11月21日,马勒的《第一交响曲》首演。在一系列家庭和个人健康问题的影响下,这次演出差强人意。音乐批评家在报纸上写了长长的评论称,听众被前几个乐章激起的热情到了终曲的时候就变成了“出声的抗议”。马勒在维也纳音乐学院的同僚也说,正像历史上许多指挥家一样,马勒并不是作曲的料,这令马勒尤其烦恼。
1891年,匈牙利政治上右转,也体现在了歌剧院的人事变动上。保守的贵族兹茨(Géza Zichy)成为马勒的上司。马勒此时开始与汉堡国家歌剧院交涉,并在1891年5月签订合同之后,辞去了在布达佩斯的职位。他在布达佩斯最后一次音乐上的胜利是一场《唐·乔望尼》的演出;当时还受到了勃拉姆斯的好评。
马勒在汉堡的职位是首席指挥,位居总监伯恩哈德·波尔(Bernhard Pohl)之下。不过波尔答应给马勒相当的自由,前提是他能够同时在艺术上和商业上取得成功。马勒确实做到了这一点:他指挥的瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》、《唐怀瑟》、《齐格弗里德》都旗开得胜。另一成功是柴可夫斯基的《叶甫根尼·奥涅金》在德国的首演;作曲家本人到席后称赞马勒的指挥水准“令人惊异”。马勒对排练的严苛也让演奏者和歌唱家都不无牢骚,据音乐作者彼得·富兰克林(Peter Franklin)所写,马勒“引发了同等憎恨和尊敬”。不过马勒得到了汉斯·冯·彪罗的首肯;后者改变了在卡塞尔时对马勒的指挥风格的态度,对他赞美有加。1894年,彪罗去世之后,马勒接任他成为了全市音乐会的协调者。
1892年夏天,马勒与汉堡的演唱者来到伦敦,参加为时六周的德国歌剧节。这是他唯一一次去英国。他指挥的《特里斯坦与伊索尔德》让年轻的作曲家沃恩-威廉斯激动得“两夜无法入眠”。然而马勒拒绝了之后类似的邀请,因为他急切地希望能把夏天用来创作。
这时候马勒自己作品的演出还很罕见。1893年10月27日,马勒指挥了《第一交响曲》的修改版。这个版本有五个乐章,并且标明为是一首小标题为“泰坦”的交响诗。这次音乐会也将一些“魔号”歌曲引介给了大众。马勒初次尝到作为作曲家的成功是在1895年12月13日,《第二交响曲》在柏林首演。马勒亲自指挥;他的助手布鲁诺·瓦尔特说,“马勒作为作曲家的名声可从那天算起。”同年,马勒的私生活受到了冲击:他的弟弟奥托自杀。
在汉堡,马勒引进了许多新歌剧:威尔第的《法斯塔夫》、洪佩尔丁克的《糖果屋》,以及斯梅塔那的作品。然而他对贝多芬《第九交响曲》的改编却受到了广泛的批评,并因此被迫辞职。马勒的最终目标是进军维也纳。在一些有影响力的朋友的帮助下,他得以进入维也纳宫廷歌剧院,即后来的维也纳国家歌剧院。由于当时规定犹太教徒不得参与此职位,马勒在1897年2月皈依罗马天主教,并于两个月后得到这个职位。
在等待皇帝的正式任命期间,马勒与音乐学院前总监的儿子约瑟夫·黑尔梅斯伯格和权威的瓦格纳指挥汉斯·里希特合作。里希特事先并未被告知马勒即将上任,因此马勒向里希特写了一封热情洋溢的信,表达了他对前辈的尊敬之情。之后两人虽然分歧巨大,但从未公开交恶。
帝国首都维也纳近期选出了一位反犹的保守派市长卡尔·鲁格。他曾宣称:“谁是不是犹太人,由我来决定。”在这样艰险的政治环境下,马勒需要尽早展示出他在德国文化方面的才华。1897年5月,他的首发演出,瓦格纳的《罗恩格林》和莫扎特的《魔笛》,赢得了好评。之后不久马勒因病请假数周,期间受他的姐姐贾丝廷和好友中提琴家娜塔莉·保尔列赫那的照顾。8月初马勒赶回维也纳,来为《尼伯龙根的指环》在维也纳的首次完整演出做准备。这场演出从8月24日持续至27日,受到了乐评人的赞赏和大众的支持。马勒的朋友胡戈·沃尔夫告诉保尔列赫那:“我每次读总谱的时候,都梦想着一种声音,今天我第一次亲耳听见了梦寐以求的音响。”
1897年10月8日,马勒正式被任命为维也纳宫廷歌剧院的总监(亦有资料将任命日期定为9月8日)。上任后的第一个制作是斯美塔那的捷克歌剧《Dalibor》,并将结尾作了改动,让剧中的英雄主人公活了下来。这引起了维也纳极端德国民族主义者的愤怒,称他试图与“低等的捷克民族称兄道弟”。尽管如此,马勒依然在任期内引进了多达33部新歌剧,并上演了55部新制作。不过其中亦非一帆风顺:理查·斯特劳斯的《莎乐美》就因内容争议,被维也纳的审查者砍掉 。
1902年初,马勒遇到了维也纳分离派艺术家与设计师阿尔弗雷德·罗勒(de:Alfred Roller),并在一年后指定他为歌剧院的舞台设计师。尽管马勒未来的妻子阿尔玛声称是自己在1902年一月在她继父的住处将两人介绍认识,更多的证据表明,早在1901年罗勒就与马勒主持的宫廷歌剧院有过来往。二人的合作成果颇丰,上演了20多出广受赞誉的制作,包括贝多芬的《菲岱里奥》、格鲁克的《伊菲姬尼在奥利德》和莫扎特的《费加罗的婚礼》。《费加罗的婚礼》的演出也体现了马勒在艺术上的革新,他将自己创作的一小段宣叙调添加到了第三幕里,冒犯了当时一些维护原著纯洁的人。
虽然有这样多成功的演出,马勒在维也纳的日子并不平顺。他与演奏者、歌唱家和管理层冲突不断,他戏剧化和专制的指挥风格也让乐队成员怨声载道。1903年12月,舞台工作人员进行了一次反抗活动,而马勒回绝了他们提的要求,认为他们是受极端人士操纵。剧场之外,维也纳社会上反犹的情绪也不曾间断攻击,并在1907年在媒体上发起攻势,意图弹劾马勒。马勒此时已经与歌剧院的管理者发生了不合,原因是他在自己音乐上消耗的时间过多。
在维也纳期间,从1898年到1901年,马勒还担任了维也纳爱乐乐团的指挥。1898年,乐团音乐委员会一致通过决议,选择马勒作为里希特的接任者。外界对此并非没有异议,有人怀疑非德国人的马勒是否有能力“捍卫德国音乐”。马勒上任后的第一个演出季,票房有显著提高,但乐队成员不满马勒改编名作的习惯,以及对他们已经烂熟的曲目增加额外排练。1899年乐团甚至要求里希特回来,最终无果。马勒在1900年带着乐团去参加了巴黎世博会。在巴黎的音乐会是商业上的失败,马勒甚至连回程路费都无法支付,不得不向银行世家罗斯柴尔德家族借钱。1901年4月,马勒因为自己健康状况不佳,也厌倦了抱怨和不满,遂辞去了指挥职位。三年间他指挥了80多部作品的演出,并推广了一些不为人知的作曲家,比如赫尔曼·格茨、威廉·金茨尔和劳伦佐·佩罗西。
1907年,马勒与纽约大都会歌剧院的总监海因里希·康里德(Heinrich Conried)开始沟通,并在6月签订了回报丰厚的合约,答应在纽约指挥四个演出季。同年夏季他向维也纳宫廷歌剧院递交了辞职信。马勒执掌歌剧院的十年间交到了很少的朋友,据说他对待音乐家就好像“驯兽师对待动物”;他离开时在告示栏上留下的信,甚至被扯下摔到地上。11月24日,马勒在维也纳进行了告别演出,曲目是他的《第二交响曲》。12月初,他离开维也纳,渡海来到纽约。
马勒在1908年1月1日第一次在大都会歌剧院亮相,指挥瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》,用的是当时在纽约仍然奉为标准、在维也纳却早已过时的精简版。在繁忙的第一季度演出中,马勒的表现赢得了广泛的赞誉,尤其是1908年3月20日的《菲岱里奥》。在这次演出中,他坚持要用维也纳舞台布景的复制品。同年9月19日,马勒的《第七交响曲》在布拉格首演,据其妻阿尔玛称,大众反应平平。
次年的演出季大都会歌剧院让意大利指挥家托斯卡尼尼与马勒分担工作。马勒与纽约交响乐团同台演出了三次,这一经历让他对与交响乐团合作有了新的感觉,并随后辞去了歌剧院的职务,接受了重组之后纽约爱乐乐团的指挥职务。他有时还会在大都会以客座指挥的身份演出,最后一次是1910年3月5日柴可夫斯基的《黑桃皇后》。1909年夏天,马勒回到欧洲,投入到《第九交响曲》的创作中,并去荷兰进行了巡演。
1909到1910的纽约爱乐乐团演出季中,马勒奉献了46场音乐会,但内容不是很符合大众口味。他的第一交响曲在1909年12月16日美国首演,反响很差。演出季结束时,乐团遭到了重大经济损失。但是1910年9月12日,马勒的第八交响曲在慕尼黑首演(这是作曲家生前首演的最后一部作品)。传记作家罗伯特·卡尔称此次演出为“马勒一生最大的成功”。不过,马勒于不久前发现阿尔玛与年轻建筑师格罗皮乌斯的一段婚外恋,让他大受打击,并从弗洛伊德那里寻求帮助。阿尔玛同意一直在马勒身旁,但没有与格罗皮乌斯的关系依然继续。马勒将《第八交响曲》献给了阿尔玛作为爱情的示意。 作曲历程:马勒学生时代的习作都已不存。1879年离开大学后,马勒一边当钢琴教师挣钱,一边继续作曲。1880年,他完成了一部康塔塔《悲伤之歌》(德语:Das klagende Lied)。这是他的第一部重要作品,从中可以找到瓦格纳和布鲁克纳的影响,但也具有马勒独特的元素。该作品后来被修改、缩减,于1901年首演。1884年,马勒为《萨金根的小号手》创作了情景音乐。这一部作品现在大多遗失,但有一乐章名为“百花”后来被用到了其《第一交响曲》中。这段时期,与女高音约翰娜·里赫特的一段无果的恋情,也让马勒写出了一系列爱情诗,后来成为了他的歌曲套曲《青年流浪之歌》的歌词。
关于马勒早年散失的作品有多种猜测。荷兰指挥家门格尔堡认为《第一交响曲》非常成熟,不像是第一部交响作品;1938年他提出了所谓“德累斯顿档案”,这是玛丽昂·冯·韦伯所持有的一系列手稿。可以肯定这些手稿多数在1945年德累斯顿轰炸时被毁,但依然有可能还有存留。
马勒早期指挥生涯当中,作曲只是业余所做的事。在莱巴赫和奥洛穆克工作期间,他给理查德·连德尔的诗歌配曲,后来收入了“歌曲和咏叹调集”里。马勒的第一部交响声乐套曲《青年流浪之歌》创作于卡塞尔,歌词是他自己写的,尽管其中的第一部分与《少年魔号》中的一首诗非常相近。这部作品里的元素被应用到了1888年所作的《第一交响曲》中。基于早年作品的慢乐章“百花”,后来被删除。此后他又写了一部二十分钟长的葬礼进行曲“死之赞”,这是此后《第二交响曲“复活”》首乐章的雏形。此后直到1891年,也就是在布达佩斯期间,马勒的作曲仅限于对“魔号”诗歌的配乐,以及对《第一交响曲》的修改。
1893年马勒在上奥地利地区施泰因巴赫的阿特湖边购下了一处夏居。虽然之后居所常有变动,但是“平时指挥,夏天创作”的方式维持了一辈子。在少年魔号的影响下,马勒在斯坦巴赫写出了一系列的歌曲,以及《第二交响曲》和《第三交响曲》。
在维也纳歌剧院和爱乐乐团的双重责任让马勒倾注了全部的时间和精力,但1899年他又恢复了作曲。在维也纳的剩下的几年,尤其是作曲家的多产期。在结束了最后的《少年魔号》歌曲后,他开始了《第四交响曲》的创作;次年该作品完成。此时马勒在奥地利克恩顿州的韦尔特湖边的麦尔尼格(Maiernigg)附近购下了另一处作曲小屋。在这间小屋里,马勒创作了被后人称为“中期”或“后少年魔号时期”的作品:1901至1904年间,他为吕克特的十首诗配了音乐,其中的五首被称作《吕克特之歌》,另五首则构成了《悼亡儿之歌》;1901至1905年间,马勒在此写作《第五》《第六》《第七》三部纯器乐交响曲;1906年,马勒在废寝忘食的八周间完成了他宏伟的《第八交响曲》。
这段时期也见证了马勒自己的作品频繁演出。1899年他指挥了《第二交响曲》在维也纳的首演;在1901年2月他第一次公开演出了《悲伤之歌》(修改为两段体);同年他在慕尼黑首演了《第四交响曲》;1902年在Krefeld进行了《第三交响曲》首次完整的演出;1904年在克隆首演《第五交响曲》;1905年1月在维也纳演出了四首《吕克特之歌》和《悼亡儿之歌》;1906年在Essen首演《第六交响曲》。
1908年,马勒从纽约回到奥地利,并建立了第三个也是最后一个作曲工作室,位于奥地利南蒂罗尔托布拉赫附近的松树林中。在这里,他创作了以中国古诗德译本为歌词的声乐套曲《大地之歌》。马勒没有将这一大型交响作品编号为交响曲,可能是为了避免所谓的“第九交响曲之咒”(贝多芬、舒伯特、布鲁克纳等作曲家都只创作了九部交响曲)。 婚姻和家庭:在维也纳的第二年,马勒买下了市区一间宽敞的公寓,并且在麦尔尼格的新作曲小屋的土地上修建了一座别墅。1901年11月,他在一次社交场合遇到了阿尔玛·辛德勒,画家卡尔·摩尔的继女 。阿尔玛一开始对马勒并无兴趣,因为当时有关于“他和每个想唱歌剧的年轻女孩的绯闻”。两人相见时对亚历山大·冯·策姆林斯基的一出歌剧发生了争论,但同意第二天在歌剧院见面。此后感情进展飞快,次年3月9日,二人举行了私人的婚礼。那时阿尔玛已经怀有第一个孩子,女儿玛丽亚。玛丽亚于1902年11月3日出生;第二个女儿安娜出生于1904年。
二人的朋友对这份婚姻表示惊讶和怀疑。麦克斯·布尔克哈德把马勒称作“佝偻的犹太人”,配不上阿尔玛这样的大家闺秀。但马勒的家人认为阿尔玛过于轻浮,而且喜欢在年轻人面前显示自己的迷人气质。马勒天生忧郁、有控制欲。他早期的恋人娜塔莉称与他相处好像“身在一条不断摇摆的小船上”。婚后不久马勒就让阿尔玛放弃对音乐的学习,因为家里只能有一个作曲家。阿尔玛将怨气记录在了日记中。马勒还要求他们的家庭生活围绕着他自己的创作和指挥工作,有时让阿尔玛大为光火;但他们的婚姻还是有不少充满激情的时刻,尤其是马勒,他曾给阿尔玛写过许多封热情的信。后来马勒去世之后,阿尔玛将这些信件编辑、遴选,在1940年出版。
1907年夏天,马勒疲于应付维也纳反对他的声浪,举家来到麦尔尼格。不久两个女儿都患上了猩红热和白喉。两周后的7月12日,玛丽亚夭折;安娜得以恢复。在这一痛苦的打击之后,马勒又得知自己的心脏不正常,随后维也纳的医师证实了这一点,并建议马勒远离剧烈运动。对于此时疾病对马勒的影响到底有多大,尚不清楚;在阿尔玛笔下,这似乎是慢性的死刑,而马勒在自己的信件中说,只要避免过度疲劳,他可以过正常的生活。然而病患确实让马勒的抑郁雪上加霜。1907年末,麦尔尼格的别墅关闭,从此马勒再未去过那里。 逝世:1910年夏,马勒完成了《第十交响曲》的柔板乐章,以及另外四个乐章的草稿,当年他已遭逢严重的心绞痛威胁。11月,他和阿尔玛回到纽约,马勒又开始筹划指挥连续65场的演出。圣诞节期间,马勒患上了喉痛,久治不愈。1911年2月21日,高烧的马勒坚持要完成在卡内基音乐厅的音乐会。这是连续演出的第48场次,同时不幸地,亦是他生前最后一次登台演出。在卧床数周后,最终他被诊断出患有感染性心内膜炎(Infective endocarditis);在没有抗生素的时代,此病的存活率几乎为零。他的高烧不退则是急性链球菌感染所造成的结果,医生建议他到当时的细菌研究重镇巴黎寻求治疗。马勒并没有放弃希望,他依然谈论着恢复演出季,并一直关注阿尔玛创作的歌曲公演。4月8日,马勒一家与长期照顾的护士乘船回到欧洲。在巴黎,马勒的病情没有好转,他作出了返回家乡的决定。5月11日,马勒一行到达维也纳,并于一周后病逝。 1911年5月22日,遵其生前嘱咐,马勒下葬于维也纳格林清(Grinzing)墓园,阿尔玛由于身体原因未能出席。葬礼上出现了许多知名人物,包括勋伯格、布鲁诺·瓦尔特、克里姆特,以及许多重要欧洲歌剧院的代表。勋伯格献上的花圈上称他是“神圣的古斯塔夫·马勒”。《纽约时报》报道了马勒的死讯,称之为“当今最为高大的音乐形象之一”,但对其交响作品的评价仅限于长度非凡这一点,并且还将其《第二交响曲》的长度夸大到了“两小时四十分钟”,在伦敦,《泰晤士报》称他“在指挥方面的造诣,除里赫特之外,无人能及”,并说其交响曲“无疑是有趣的,有着现代乐队独特的丰满音效,旋律简朴以至粗俗”,不过表示“现在来评判其价值还为时过早”。
马勒的遗孀阿尔玛比丈夫多活了五十多年,直到1964年才去世。她在1915年与建筑师格罗皮乌斯结婚,五年后离婚。1929年又嫁给了作家维尔菲尔。1940年她出版了一本关于马勒的回忆录《古斯塔夫·马勒:回忆与书信》。后世的传记作家指责这本书蒙蔽事实,自我夸大,提供的信息很多是歪曲的。乔纳森·卡尔写道:“随着更多的资料浮出水面,阿尔玛的回忆录就愈发地显得问题重重……她隐藏了许多马勒写的信件。她不是恰巧疏忽,或者采选不当,而是有意为之。”
作曲家之女安娜·马勒是一位雕塑家,于1988年去世。1955年,国际马勒协会在维也纳创建,指挥家布鲁诺·瓦尔特为首任主席,阿尔玛为荣誉会员。 音乐创作:三个创作阶段
不少分析家都将马勒的创作生涯分成三个明显阶段:一个很长的“第一阶段(早期)”,由1880年的《悲叹之歌》到1901年“《少年魔号》时期”结束为止。在“第二阶段(中期)”,创作更为集中,至1907年前往纽约为止。“第三阶段(晚期)”较短,包括去世前的几部哀歌式作品。
早期的主要作品是前四部交响曲、歌曲套曲《青年流浪之歌》,和一系列其它歌曲(《少年魔号》占主导地位)。在这一阶段,歌曲和交响曲关系甚密切,交响作品也具有标题性。马勒曾给其第一、第二、第三部交响曲写下详细的说明文字,但之后都弃而不用。《第四交响曲》的乐章也曾有标题。
中期包括器乐交响曲“三部曲”(第五、第六、第七)、《吕克特之歌》、《悼亡儿之歌》、最后两首《少年魔号》歌曲,以及(某些人看来)马勒最后、最伟大的积极的颂歌,庞大的合唱《第八交响曲》。也有批评家,如库克认为,《第八交响曲》介乎中期、晚期之间,独占一位。此时马勒放弃了明显的标题和说明,他想写自明的“纯音乐”。中期作品中还多有“石英般坚硬的配器”。此阶段的歌曲也多无民歌风味,也不再与交响曲有之前那样明显、紧密的联系。
短暂的晚期包括《大地之歌》、《第九交响曲》和未完成的《第十交响曲》,这三部作品都相当个人化,代表着马勒临死前的感受。三部作品都安然结束,象征着奋发被消退所取代。库克认为这些作品是对生命和世界的“充满爱的告别”,而不是苦涩、痛心的。作曲家贝尔格认为《第九交响曲》是“马勒写过的最神妙的作品”。这三部作品均未在马勒生前上演。
渊源
马勒属于后浪漫派作曲家,继承了德奥音乐抒发一种灵性或哲学意义的传统。他是历史上一条线索的最后一位大师;前辈包括贝多芬、舒伯特、李斯特、瓦格纳、布鲁克纳和勃拉姆斯。马勒将前人实践过的东西运用到了自己的音乐中,变化为自己的独特特征;包括对人声的使用,对标题的运用,以及突破传统四乐章结构的尝试等。瓦格纳和布鲁克纳的前例,也鼓励了马勒扩展其作品的规模,达到前所未有的地步,以致于“包括整个情感世界”。
早期的评论家认为马勒博采千家,却缺乏自己的风格;而库克申辩称,马勒虽然进行了借鉴,但“将个人性格的痕迹烙到了每一个音符上”,并创作出了具有“杰出的原创性”的音乐。例如对于“斗争”这一主题的表现,音乐评论家哈罗德·勋伯格认为,马勒与贝多芬就大相径庭。贝多芬的奋斗是“勇往直前、战无不胜的英雄”;而马勒的是“精神的弱者,牢骚满腹的青年”,他“享受着自己的不幸,想让全世界看到他的痛苦”。但勋伯格同时也表示,在他大多数交响曲中,都可以不时看到“沉思者马勒”被“音乐家马勒”的辉煌所升华。
体裁
除了青年时期的一些佚作之外,马勒基本上只创作交响曲和歌曲,并将此二者糅合在了一起。马勒音乐中歌曲与交响曲的结合,在库克看来,是有机的:“他的歌曲很自然地成长为交响曲乐章”。其《第一交响曲》就已经与《孤独旅者之歌》产生了联系。到了之后的第二、第三和第四交响曲,与歌曲集“少年魔号”之间的这种联系就更为显著:《第二交响曲》第三乐章谐谑曲来源于同一时期所作的讽刺歌曲“圣安东尼给鱼传道”,第四乐章则取自歌曲“原光”。另一首歌曲“天国的生活”成为了《第三交响曲》中的要素和《第四交响曲》的内核,后者的末乐章几乎完全是这首歌曲的翻版。
在马勒的中晚期作品中,与歌曲的联系不那么直接了。然而学者斯坦利·萨蒂指出,《第五交响曲》第四乐章“小柔板”以及《第六交响曲》的末乐章的素材都与《悼亡儿之歌》有联系。马勒的倒数第二部作品《大地之歌》,虽然名为“歌”,但形式上与交响曲无甚分别。
风格
伯恩斯坦认为,马勒的作品基本上都是关乎矛盾的:马勒既是作曲家又是演奏家;既是犹太人又是基督徒;既有信仰又是怀疑论者;既天真又世故;既是波希米亚人又以维也纳为家;既是浮士德式的哲学家又是东方神秘主义者。然而,主要的冲突产生于一个处于世纪之交时代的西方人和他的精神生活之间。从这一对立中产生了存在于马勒的音乐中的那一长串数不胜数的矛盾对比——全部那些反义词的清单。这样的斗争与矛盾,由两类相对反的情感表达:上升的旋律、精致的和声抒发了强烈的渴望,不协和、扭曲、诡异的音响则代表了苦难和绝望。
马勒曾对西贝柳斯说过,“交响曲要像世界一样包囊万物。”在其作品中,这一信条也有所体现:马勒的音乐素材来源十分广阔,鸟鸣和牛铃象征自然与田园,喧闹的进行曲、街头曲调和乡间舞蹈象征已经逝去的童年世界。马勒的独特之处还在于时常插入的“粗俗乐段”,给严肃的氛围带来了荒诞感;例如《第五交响曲》的葬礼进行曲中突然进入的流行俗曲。有时这些曲调也会变身为华丽的、庄严的布鲁克纳式高潮,并被马勒用来象征希望,或冲突的解决。马勒也意识到了这些特出之处,如对《第三交响曲》中谐谑曲的评价:“这是有史以来最喧闹,也同时是最悲剧的乐章……好像大自然也开始做起鬼脸,伸出舌头。”
库克称,马勒音乐中情感的广度来自他“精妙的配器”,这使得其音乐“不必多加分析便能自明”。另一位评论者富兰克林概括了马勒的基本风格:极端的音量、对幕后乐队的运用、不合常规的乐队编制,以及对流行音乐和民间舞蹈(如连德勒和华尔兹)的引用。音乐学家弗拉迪米尔·卡尔布西斯基(Vladimír Karbusicky)认为马勒的犹太根基对其创作产生了持久的影响,他尤其指出其《第一交响曲》第三乐章诡异而滑稽的葬礼进行曲是典型的意第绪音乐。捷克作曲家麦克斯·布罗德也表示在马勒的音乐中找到了犹太曲调和节奏。
马勒甚常使用“渐进调性”,即交响音乐中冲突的呈现和解决处于不同的调上。同时期的丹麦作曲家尼尔森也使用了这种手法。在早期歌曲中,马勒对这种手法已有所尝试,之后的交响曲中运用更是自如。例如《第一交响曲》主要是D大调,但在末乐章开头的巨响中转到f小调,经过一番奋斗后,才在终曲得高潮中回归D大调。《第五交响曲》的各乐章更是经过了升c小调—a小调—D大调—F大调—D大调的过程。《第六交响曲》的开始和结束都在a小调上,暗示冲突没有得到解决。 影响:马勒对后世影响相当深远。其最初的追随者包括勋伯格、贝尔格、韦伯恩,此三人创立了第二维也纳乐派。马勒的音乐也影响他们后来向无调性音乐的转变。尽管马勒个人反对无调性音乐,但对于勋伯格的作品以及其大胆的原创性,还是进行了鲜明的辩护。勋伯格的弦乐四重奏首演时,据说马勒差点与捣乱者进行肢体冲突。此外,勋伯格的Op. 24《小夜曲》,贝尔格的《为乐队而作的三首乐曲》和韦伯恩的《六首乐曲》中,都能找到马勒《第七交响曲》的影响。
其它受马勒影响的作曲家包括科普兰、贝里奥、肖斯塔科维奇和布里顿。钢琴家兼指挥家阿什肯纳齐在谈到马勒与肖斯塔科维奇时说,二者的联系“紧密而显著”,他们都表现了“个人与丑恶世界的抗争”。评论家米切尔(Mitchell)在关于布里顿《大提琴交响曲》首乐章的评论中强调道“这种令人眩目的透明感和配器手法,是马勒曾精心筹划并建立的”,并说“即使马勒自己的音乐没有存留,他依然在后人的继承中得到永生”。
马勒也影响了曾经与他共事,事业上受其助力的指挥家:布鲁诺·瓦尔特与奥图·克伦培勒。
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Gustav Holst (古斯塔夫 霍尔斯特)
外文名:Gustav Holst 中文名:古斯塔夫 霍尔斯特 别名:霍尔斯特 国籍:英国 出生地:切尔滕纳姆 职业:作曲家 生日:1874年9月21日 逝世日期:1934年5月25日 所属时期:浪漫主义时期,20世纪 擅长类型:管弦乐,合唱 知名作品:《行星组曲》,二首《军乐队组曲》,《圣保罗组曲》,《合唱交响曲》,《梨俱吠陀赞美诗》,歌剧《十足笨蛋》《在野猪头酒家》 毕业学院:伦敦皇家音乐学院 师从:斯坦福,帕里 简介:古斯塔夫·霍尔斯特(Gustav Dheodore Holst,1874-1934),英国作曲家。生于具有瑞典血统的音乐家庭。1893年入英国伦敦皇家音乐学院学习钢琴、管风琴、作曲和长号。后在歌剧乐队中任第一长号手、管风琴手。1905年起,曾提任过伦敦圣保罗女子学校音乐科主任,皇家音乐学院作曲教授。其代表作有为供大型管弦乐队演奏的组曲《行星》(作品32,由七个乐章组成),歌剧《赛维特丽》、《在野猪头酒家》,舞剧《大笨蛋》、管弦乐《圣保罗组曲》等,其中《行星》组曲最为著名。 生平:出生于音乐世家,祖先多为英国人,其余为瑞典人。19岁时,进入伦敦皇家音乐学院,师事查尔斯·威利尔斯·斯坦福五年。1906年后边担任伦敦圣保罗(St Paul)女子学校音乐系主任,边同时进行作曲。在音乐写作上,除大胆地进行和声的实验外,也采用多调的作曲手法。代表作为管弦乐组曲《行星组曲》(The Planets)。《行星》组曲是一部庞然巨著,整个作品分为七个乐章,分别以九大行星中的七个星球(地球和当时尚不为人类所知的冥王星除外)命名,而且乐队编制也异常庞大,启用了一般很少登台的低音长笛、低音双簧管、低音单簧管、低音大管、次中音大号等管乐器,以及管风琴和众多的打击乐器,在最后一个乐章中还有一段六声部的女声合唱(有时亦以两支独奏长笛取代)。
如此众多的乐器的组合产生了丰富的音响色彩,如在"火星"乐章的一段音乐中,乐队的全奏展示出了地动山摇的气势。但也许正是由于《行星》组曲本身及其乐队编制过于庞大,这部作品一般很少全曲演奏,通常仅演其中的三、五个乐章,有时则只是单独演奏一个乐章。就《行星》组曲的意义来说,该曲与纯粹的天文学并无关系,而仅仅是建立在古代勒底人、中国人、埃及人和波斯人所熟悉的"占星术"之上的。关于这一点,霍尔斯特在1920年全曲公演时曾这样对记者说:"这些曲子的创作曾经受到诸行星的占星学意义的启发。它们并不是标题音乐,也不与古代神话中的同名神仙有任何联系。如果需要什么音乐上的指引,那么,尤其是从广义上来说,每一曲的小标题足以说明与某些庆典活动有关的那种礼仪性的欢乐。例如,土星带来的不仅是肉体的衰退,它也标志着理想的实现,而水星则是心灵的象征……"
霍尔斯特繁忙的教学任务使他只能在周末和假期作曲:《行星组曲》由此也花了他三年时间才得以完成(1914-1916)。虽然心存疑惑的霍尔斯特并不认为这是他最杰出的作品,《行星组曲》却使他一夜成名。我们完全可以想象可怕的《火星》乐章对于那些深陷一战恐惧中的听众会产生何等大的震撼。这首曲子如此出名,大大盖过了作曲家的其他创作,几乎使之沦为“单曲作曲家”。它的家喻户晓,也使得人们常常忽视作品的新鲜创意。随着《海王星》乐章接近尾声,他借着幕后女声合唱的渐渐消逝唤起了人们的永恒意识,这种意识因人而异,但却同样具有丰富的想象力。《行星组曲》问世之时,英伦作曲界几乎没有任何与时代接轨的激进作品。当贾基列夫带着俄罗斯芭蕾舞团1913年到伦敦演出,英国作曲家们深受震动,尤其是霍尔斯特这批年轻音乐家,霍尔斯特的芭蕾舞剧《十足笨蛋》就是脱胎于这次冲击。《行星组曲》中新颖的音乐语汇和大型乐队编制同样可见《春之祭》的影响。霍尔斯特祖籍瑞典,他的曾祖父于1807年移居到了英国。霍尔斯特出身于音乐世家,他的家族中曾出现过不少优秀的音乐家。1874年9月21日,霍尔斯特出生在英国的切尔特汉。受家庭环境的影响,霍尔斯特很早便对音乐发生了兴趣,他的父亲也想把他培养成一个优秀的钢琴家。他在幼年时一直跟随父亲学习钢琴。1893年,十九岁的霍尔斯特考取了英国皇家音乐学院,学习钢琴和作曲,后因手指患神经炎而改学长号,从音乐学院毕业以后,他曾在几家剧院里担任长号手和合唱指挥;1905年,他担任了圣保罗女子学校的音乐教师;1907年又担任了伦敦莫利学院的音乐教师;1919年,霍尔斯特受聘担任了英国皇家音乐学院的作曲教授;1923年,他到了美国,在密执安、哈佛等大学讲学。晚年的霍尔斯特辞去了一切教学职务,专心于自己的音乐创作。1934年5月25日,霍尔斯特在英国伦敦逝世,终年六十岁。 作品:霍尔斯特二十世纪初最富有独创性的英国作曲家之一,创作甚丰,涉及歌剧、管弦乐、合唱、独唱、室内乐、器乐独奏等各种音乐体裁。崇高理想和目标专一使霍尔斯特能够吸收各国因素而自成一格,融生动、明净和严肃的神秘主义于一炉。他研究过梵文并对东方哲学深感兴趣。作品富有独特的个性,偏爱于运用多调性技法。早期对民歌(《萨默塞特狂想曲》,1907)梵语文学和印度音阶(《梨俱吠陀赞美诗》,为人声和乐队而作,1911年出版;室内歌剧《莎维德丽》,作于1908年,于1916年首演)感兴趣。这个时期的五拍子与七拍子小节,和到下个时期,并与更强烈的和声紧张度(如不相关连的三和弦的撞击)更大规模的乐队和合唱手法(《行星》完成于1916年;《耶稣赞美诗》,为两个合唱队和乐队而作,1917)相结合。在以后的作品中,他从和声上进行试验(《合唱交响曲》,演出于1925年;《埃格敦荒野》,乐队曲,1927;《合唱幻想曲》,1930),导致多调性(《锻工》,乐队曲,1930;《声部均等的六首卡农》,1932),并显示出新巴洛克形式(《赋格式序曲》和《赋格式协奏曲》,均完成于1923年)和模拟笔法(歌舞剧《十足笨蛋》,于1923年首演)的倾向。
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Gus Arnheim
中文名:古斯·阿恩海姆 国籍:美国 出生地:宾夕法尼亚州费城 出生日期:1897年9月4日 职业:钢琴家、词曲作者 代表作:《I Cried for You》、《Sweet And Lovely》 简介:Gus Arnheim,1897年9月4日出生,美国钢琴家、词曲作者,也是早期流行乐队的负责人。他因创作多首歌曲而闻名,第一首单曲是1923年的《I Cried for You》。Gus在1920年代和1930年代最为受欢迎。代表作品有《Sweet And Lovely》、《I Cried for You》。 从艺历程:阿恩海姆出生于美国宾夕法尼亚州费城。
1919年,三名后来成为著名乐队领袖的人在加利福尼亚州圣莫尼卡的日落旅馆一起演奏。Arnheim 弹钢琴,Abe Lyman弹鼓,Henry Halstead 拉小提琴。阿恩海姆长大芝加哥,并在一个点是伴奏,以杂耍演员索菲·塔克。当莱曼组织了一支完整的舞蹈管弦乐队时,阿恩海姆作为钢琴家出现。
1927年离开成立了自己的乐队。阿恩海姆的管弦乐队在 1928-29 年为华纳兄弟的Vitaphone公司制作了至少三部电影短片。
阿恩海姆于 1928年至1929年首次为 OKeh 录音,当时他于 1929 年与维克多签约并一直待到1933年。他与不伦瑞克签约并录制到1937年。
1928年至31年,阿恩海姆在洛杉矶的Cocoanut Grove进行了长时间的订婚。在1930年,当时保罗·怀特曼拍完爵士之王的通用,节奏男孩声乐三重奏,由平克劳斯贝,哈里·巴里斯和阿尔·林克决定留在加州,他们与阿恩海姆的乐队签约。虽然 Rhythm Boys 只与 Arnheim 录制了一首歌,但《他们有眼睛》(这也恰好是 The Rhythm Boys 的最终录音),阿恩海姆的管弦乐队在1931 年维克多唱片公司发行的多首歌曲中支持克罗斯比。这些流行的唱片,再加上阿恩海姆广播电台播放的克罗斯比独唱,是一个关键克罗斯比作为歌手开始流行的元素。
1928年,在此期间,未来流行的乐队领队吉米·格里尔 (Jimmie Grier) 担任编曲。自成立以来,格里尔一直在阿恩海姆的乐队中担任领唱中音萨克斯管和单簧管。
1930年至1933年间,一些著名人物在阿恩海姆的乐队中工作或与他们一起工作。
1930年,Russ Columbo拉小提琴,并演唱了《A Peach of a Pair》。Fred MacMurray在 1930-31 年演奏了单簧管和男高音萨克斯,并在一张唱片中演唱《我想要的只是一个》。
1931年7月23日,埃迪·坎托和琼·克劳馥各自为阿恩海姆录制了一首歌,但克劳福德方面并未发行。康托的一面,“没有什么对我的宝贝太好了”,但没有歌手信用。
1932年,未来流行歌手巴迪·克拉克与阿恩海姆合唱。
1933年,雪莉·罗斯与阿恩海姆合唱。
斯坦肯顿从1937年开始在阿恩海姆弹钢琴。
1939年至1941年间,墨西哥裔美国歌手安迪·罗素( Andy Russell ) 与阿恩海姆 (Arnheim) 一起打鼓并唱歌。阿恩海姆建议罗素用英语和西班牙语双语演唱,并将他的姓氏从拉巴戈改为罗素,从而导致他的第一张销量百万的唱片“ Bésame Mucho ”。
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Gunna
中文名:甘纳 原名:Sergio Giavanni Kitchens 别名:YSL Gunna 、Yung Gunna、Gunna Gunna 国籍:美国 出生地:美国乔治亚州科利奇帕克 生日:1993年6月14日 职业:说唱歌手 简介:甘纳,是一位美国饶舌歌手,曾与知名饶舌歌手Lil Baby和Young Thug的合作。 从艺历程:GUNNA出生于美国格鲁吉亚,由母亲抚养长大,有四个哥哥。他从15岁开始创作音乐,喜欢听Cam'ron,Chingy和Outkast等歌手的作品。
2013年,Gunna 以Yung Gunna的名义发布了混音专辑“ Hard Body ”。
2017年5月发行混音辑《 Drip Season2》。
2018年2月发布《Drip Season 3》。专辑由Metro Boomin制作,并由Lil Yachty,Lil Durk ,Nav,Metro Boomin和Lil Uzi Vert等人演唱。
2019年2月22日发行首张录音室专辑《Drip or Drown 2》。
2020年5月22日发行第二张录音室专辑Wunna,并进入Billboard 200。
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Gucci Mane
中文名:古驰·马内 全名:Radric Delantic Davis 国籍:美国 出生地:阿拉巴马州伯明翰 生日:1980年2月12日 职业:说唱歌手 代表作品:《Spotlight》、《Lemonade》、《Beat It Up》 简介:Radric Delantic Davis(1980年2月12日出生),艺名为Gucci Mane,是一位美国说唱歌手。他与亚特兰大的饶舌歌手T.I以及年轻的Jeezy一起帮助开创了trap音乐的嘻哈音乐。 从艺历程:2005年,Gucci Mane首次亮相Trap House,随后是2006年的第二张和第三张专辑“Hard to Kill”和“Trap-A-Thon”。他的第四张专辑“Back to the Trap House”于2007年发行。
继2009年一系列批判性和商业上成功的mixtape发行之后,Gucci Mane发行了他的第六张录音室专辑,The State vs. Radric Davis,这是他的第一张金牌专辑。在2016年期出狱后,他重新发行了音乐作品,包括Everybody Looking(2016)。他与Rae Sremmurd的2016年合作,名为“Black Beatles”,成为了Gucci Mane在美国Billboard Hot 100排行榜上的第一首单曲。他的最新专辑“Evil Genius”于2018年12月7日发行。
Gucci Mane已经发行了12张录音室专辑和70多个混音带,其中许多都是他的长期合作者Zaytoven制作的。 2007年,他创立了自己的品牌1017 Records。他曾与Drake,Lil Wayne,Chris Brown,Shawty Lo,Selena Gomez,Mariah Carey和Marilyn Manson等艺术家合作过。他作为亚特兰大音乐界的trap音乐创新者,他多产的mixtape发行和频繁的活动使他成为年轻的亚特兰大艺术家的主要影响人物,他一直在被称为“东亚特兰大的化身”和“过去十年中最具影响力的地下说唱歌手”。 荣誉记录:2017 MTV音乐录影带大奖最佳流行音乐视频 (Best Pop Video)
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Gryffin
本名:Dan Griffith 国籍:美国 出生地:美国纽约 生日:1987年9月29日 职业:DJ、唱片制作人、音乐家 简介:Dan Griffith以他的舞台名称Gryffin(通常被称为GRYFFIN)而闻名,是一位美国DJ、唱片制作人和音乐家。 他因把一些著名歌曲重新混音而获得认可,如Tove Lo的“Talking Body”,Maroon 5的“Animals”和“Years&Years”“Desire”。 从艺历程:2016年1月22日,Gryffin发布了他的首张单曲《Heading Home》,由澳大利亚歌手Josef Salvat通过Darkroom/Interscope Records演唱。2016年5月2日,一段官方音乐视频被上传到他的YouTube频道。这首歌在热门舞曲/电子歌曲榜上排名第22位,在舞曲/电子数字歌曲榜上排名第21位,在Spotify Viral 50榜上排名第一,在公告牌Twitter新兴艺人榜上排名第五。2016年8月26日,他发布了一首名为《Whole Heart》的歌曲。
2017年,Gryffin推出了三首单曲。与DJ Illenium和歌手Daya合作的《Feel Good》于3月3日发布。7月7日,歌手Sinéad Harnett演唱的《爱在废墟》发行,10月6日,Katie Pearlman演唱的《无人能与你相比》发行。
事实证明,2018年Gryffin来说是重要的一年,他全年发行了五首单曲。他今年的首支单曲《Winnebago》于4月20日发行,这首单曲由Quinn XCII和Daniel Wilson合作。在此之后,他与Iselin合作的单曲《Just for a Moment》于6月22日发行,与Elley Duhe合作的单曲《Tie Me Down》于8月3日发行。在《Tie Me Down》发行两个月后,Griffith和以色列歌手Zohara一起发行了一首歌。《Remember》于10月26日发行,并最终登上美国舞曲排行榜榜首,这也是Gryffin的第一首热门单曲。
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GRX
原名:Martin Garrix 国籍:荷兰 出生地:阿姆斯特丹 生日:1996年5月14日 职业:DJ、音乐制作人 代表作:《Animals》 简介:GRX,原艺名Martin Garrix,荷兰DJ、音乐制作人。《Animals》为其出道之作,在十几个国家登上前十名的排行,更在比利时和英国登上冠军,而在爱尔兰则为第三名。2013年在DJ杂志首次登上百大DJ第40名,2014年则为第4名。他的恩师Ti?sto认为Martin Garrix是Ultra音乐派对2015第1名的DJ。使他在2015年成为世界百大DJ第3位,是他首次登上世界百大DJ前3位,2016年他以20岁零157天成为DJ杂志的世界百大DJ第1名,2017年再度获得此殊荣。
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